“The Greatest Hits”: ¿cómo se hizo la película que combina romance, música y viajes en el tiempo?

Además de cinéfilo, el director y escritor Ned Benson se considera un melómano. Su vida está llena de canciones y discos que lo marcaron en el arte de hacer cine tanto como sus películas favoritas. Es por ello que tras leer el libro “Musicofilía”, del neurógolo Oliver Sacks, que ahonda en el impacto que la música tiene en el cerebro humano y el proceso de emociones, empezó a escribir el guión del que sería su segundo largometraje “The Greatest Hits”.

En esta cinta, difícil de clasificar en un solo género, el cineasta aborda dos temas importantes: el duelo y el poder de las canciones para transportarnos en el tiempo. Para llevar a la pantalla la historia, que se podrá ver en América Latina a partir del 12 de abril en Star+, el cineasta convocó a una actriz cuya carrera ha estado muy ligada al mundo del cine musical: Lucy Boynton, a quien hemos visto como Mary Austin en “Bohemian Rhapsody” y Raphina en “Sing Street”.

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En “The Greatest Hits”, Boynton le da vida a Harriet, una mujer que arrastra un luto de dos años tras la repentina muerte de Max (David Corenswet), su novio. Y aunque intenta superarlo, tiene un gran obstáculo en el camino: cada una de las canciones que conformaron la banda sonora de su romance, la arrastran en el tiempo, pero en un sentido textual; la música es una máquina del tiempo que le permite viajar al pasado, donde hace todo lo posible para cambiar el fatídico destino de su amado, pero fracasando en todos los intentos hasta que conoce a David (Justin H. Min), un hombre que también enfrenta un proceso de duelo.

En una entrevista virtual con varios medios de América Latina en la que participó Saltar Intro de “El Comercio”, Ned Benson explicó los retos detrás de esta película que representa su segundo largometraje, tras debutar en el 2013 con “La desaparición de Eleanor Rigby”.

-¿Qué tan diferente fue esta experiencia en comparación con tu primera película?

Esa primera experiencia fue una locura, porque tuvimos que filmar dos películas en un solo rodaje (la cinta se estrenó como trilogía) y eso fue muy complejo, hicimos 230 páginas en 40 días. Era un elenco mucho más grande, una película mucho más amplia, así que creo que fue una primera experiencia un poco abrumadora, digamos que fue un poco más de lo que podía masticar, pero terminó siendo una experiencia muy gratificante. Con esta película, en cambio, rodamos en casa, en Los Ángeles, con Searchlight, con un grupo de gente más pequeño. Fue una segunda experiencia encantadora. Me encantan las dos películas. Me encantó el proceso en general. Creo que hacer una película es en sí una suerte, pero creo que esta experiencia fue muy especial porque es una carta de amor a Los Ángeles y hacer una película sobre música es divertido.

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-¿Cómo la propia banda sonora de tu vida influenció en la película? ¿Cómo fue el proceso para seleccionar las canciones que forman parte de la cinta y que sirven como máquina del tiempo para el personaje de Harriet?

La selección de canciones fue muy personal. Por ejemplo, el tema de Jamie XX, que sale en la cinta, ha sido muy importante en vida. También hay lugares como ese que sale en la película de un show a cielo abierto al que yo he ido con mi esposa. Luego hay referencias muy personales como “Avalon” de Roxy Music. Todo ese disco fue muy importante para mí en referencia a mi relación con madre, también el tema de DJ Harvey, que recuerdo cuando salió y era tocado en Los Ángeles y fue una tremenda experiencia colectiva en la pista de baile. Obviamente, el tema de Nelly Furtado, “I’m Like a Bird” (que tiene un rol importante en la historia) me lleva a un momento de mi juventud. Creo que todo fue muy personal y también fue importante pensar en los personajes y lo que podría representar para ellos. Al pensar en las canciones para los personajes también había que pensar cómo esas canciones líricamente estaban ayudando a contar la historia, ya sabes, creo que en las escenas con Morrison y Harriet las canciones son como no me presiones, no lo fuerces o hazme creer en ti. Cosas como esas ayudaron a contar la historia a través de la letra de la canción o a través de la energía de la canción y realmente aplicando eso a lo largo de la historia.

-¿Por la selección musical, dirías que la película está enfocada en una audiencia de una edad específica?

Lo bello de la música es que puede hablarle a cualquier generación sin importar en qué año se escribió una canción. Creo que las generaciones pueden abrazar canciones antiguas así como nuevas y yo quería moverme por todo el espectro musical. Ya sabes, en términos de nuevas canciones, viejas canciones. Desde Phoebe Bridgers hasta The Cure, Lana Del Rey, Roxy Music y más. Realmente quería moverme a través del tiempo tanto como fuera posible, porque la música es increíblemente expansiva, pero yo solo tenía una cierta cantidad de tiempo para contar esta película. De otra manera, podría seguir para siempre con las canciones.

-¿Crees que estamos perdiendo esta forma de consumir música con un poder de conexión colectivo a partir de las plataformas de música en streaming?

Parte de la narrativa del filme es hablar de la experiencia tangible de poner un vinilo y lo importante que es para mí en términos de nuestra memoria el tener estos objetos físicos a los que aferrarnos, pero en última instancia, creo que en la cinta hablamos de la experiencia de la canción en sí, del increíble poder emocional de la música, no importa si es tangible, si viene a través de la aguja en un tocadiscos o a través de cualquier altavoz o de un aparato digital. A mí me encanta escuchar vinilos, me encanta la textura de la música a través de ello, la sensación que produce, pero creo que cada persona escucha las cosas de una manera diferente y creo que cualquiera que sea tu experiencia es genial, pero creo que esta cinta es una carta de amor al vinilo en muchos sentidos.

-La película tiene varios elementos fantásticos y su propia forma de contar cómo serían los viajes en el tiempo. ¿Cómo trabajaste ese aspecto del filme?

Queríamos encontrar un balance entre la parte psicológica y emocional del personaje y que a la vez se siga sintiendo como una experiencia de viaje en el tiempo. Mucho del resultado final lo encontramos trabajando en los ensayos con Lucy, allí fue que la parte física se manifestó y la pudimos mantener en concierto con el movimiento de cámara. Queríamos que funcione así que incluso atamos una cámara a ella para que cuando ella caiga sienta la cámara cayendo con ella y usamos los lentes de ‘flare’ para crear esa magia.

-¿Qué tan difícil es combinar varios géneros en una película?

Creo que esta es una película difícil de clasificar. ¿Es una comedia romántica o una cinta de ciencia ficción? Creo que no es fácil trabajar con varios géneros. Creo que, en cierto modo, lo hace un poco más difícil, pero también me ha permitido divertirme con el realismo mágico que hemos creado para él.

-Vienes de ser parte del equipo de escritores de “Black Widow”. ¿Cómo te ayudó esa experiencia en esta película?

Creo que todas las experiencias suman. Creo que esa experiencia me ayudó a crecer como guionista y como cineasta, y seguro que fue útil y creo que se integró en mi propia experiencia en cuanto a lo que quería hacer a continuación, e intenté hacer algo un poco más fantástico, o al menos mágicamente realista en este caso, frente a mi primera película, que era de un realismo muy arraigado, así que influyó en mis decisiones de muchas maneras.